Darauf haben alle gewartet: Das FORUM JUNGER THEATERKRITIKER hat sich entschieden. In einem komplexen Punktesystem und geheimer Abstimmung wurden von insgesamt 12 kritischen Köpfen aus 24 eingeladenen Biennale-Produktionen die Favoriten auserkoren. Der eindeutige Gewinner des leider gar nicht dotierten, aber höchst prestigeträchtigen Kritikerpreises kommt aus Albanien. Deutschland, als Gastgeber fix im Rennen, ging auch diesmal wieder leer aus. (more…)
Archive for June, 2010
A fateful nursery rhyme: The protagonists in “The Ugly Human-ling” are eternal outsiders in society and their own homes.
Pfui! Ugly! Elif Ürse, Yelda Baskın and Gülce Uğurlu. Photo: Martin Kaufhold.
The outlines of bodies are painted on the back wall, as if marked off with chalk by the police after an accident. In the collective production by the Turkish off-theatre group oyun deposu, the outlines symbolize the profiles that three rather lively Turkish women – who are not the way other people think they should be – yearn to fit into. They are all young and beautiful girls who wish that these were the only reasons people notice them. In the beginning, they attempt to cram themselves into the outlines of their desired formats, gasping as they bend and stretch to fit. They are ultimately forced to give up trying.
Each of them has her own, fragmented story to tell. Though their narrative lines never cross, they do hold parallels. A few situations arise on stage that each of the women has to deal with. They have one thing in common: Each of them is an irritation, a nuisance to Turkish society caught between tradition and modern life. And they are all victims of discrimination. Woman A (Elif Ürse) conceals her hair with a headscarf as a way of carrying on her mother’s tradition. Memorizing prayers, that was child’s play for her. Then, all at once, wearing a headscarf at school was forbidden: Muslima or atheist, she doesn’t know what to believe anymore.
Woman B (Yelda Baskın) is equally divided. “Who am I, what am I?” she asks. Her father is Turkish, her mother has a Kurdish background. No one can tell this when they look at her siblings, but she stands out like a dirty stain on her family’s clean record. Her skin is too dark, her eyes pitch black. (more…)
Finnish director Kristian Smeds has succeeded in staging an impressive production about the painter Vilho Lampi. It is surprising and provoking – and lasts nearly four hours.
Finnish artist Vilho Lampi in "God Is Beauty". Photo: Martin Kaufhold
Splinters of wood fly through the air as the painter Vilho Lampi is seized by inspiration and thrashes an ax into a piece of timber. Sweat drips relentlessly, and it seems as though this man is drawn to his artworks with urgency, as though he has been kissed by desperation instead of a muse. Kristian Smeds’ “God Is Beauty” is based on the story of Vilho Lampi’s life, as recorded by the Finnish author Paavo Rintala in 1959. However, this is not a biography, but rather “a book about beauty,” Smeds quotes the author’s words shortly before the performance begins. True to this motto, the protagonist’s excruciating search for the divine and beauty pervades throughout Smeds’ staging of the artist’s biography, which begins in Vilho Lampi’s youth.
Painting for cows
This is depicted on stage through scenes of the young Lampi whipping a rope above his head, frantically dancing to klezmer music, speaking to imaginary people in matchboxes and attempting to reinvent art with his paintings. The role of the painter is divided among Kristian Smeds’ fantastic ensemble (Katja Kukkola, Tarja Heinula, Timo Tuominen, Taisto Reimaluoto, Tuomas Rinta-Panttila); Lampi is played by three men and two women. (more…)
In “Liebe Isländer” der Mindgroup geht es um Rechnungen und zwanghafte Gespräche über Banalitäten.
Die "Lieben Isländer" mit unbeglichenen Rechnungen. Foto: Martin Kaufhold
Einen Mojito kann man auf ganz unterschiedliche Arten zubereiten. Fehlt die Limette, kann man auch einen Mandarinenschnitz oder gar Schnittlauch nehmen. Der Isländer weiß, wie man improvisiert, denn seit dem Finanzgau ist Europas größte Insel nicht nur geografisch, sondern erst recht wirtschaftlich abgeschottet.
Der Staat ist bankrott. Allen Betroffenen schneien nur noch Rechnungen ins Haus. Ab jetzt muss jeder das Leben nehmen, wie es kommt. Das gilt auch für die sieben isländischen Staatsbürger, die in “Liebe Isländer” ganz abenteuerlich ausgebeulte Sportklamotten mit Lederjacken oder schickem Fummel kombinieren (Kostüme: Stefania Adolfsdóttir). Und dann sind sie auch noch in einem Käfig eingepfercht und reden über allerlei Belangloses.
Im Hintergrund laufen auf mehreren Bildschirmen synchron Bilder aus der Welt des Fernsehens und Internets. Das sind Fenster der Popkultur, durch die unzusammenhängende Sequenzen, wie Animationsfilme, Reality-Shows oder Werbungen für BHs zum Aufpumpen, zu den isolierten Isländern durchdringen. (more…)
Das FORUM DRAMATURGIE mit Prof. Dr. Kati Röttger aus Amsterdam erörterte die Rolle, die heute ein Dramaturg hat. Viele Antworten auf eine Frage…
He used his office in the ministry of culture as a writing studio: Albanian author Stefan Çapaliku speaks about his work as a playwright.
One who can explain "exterophily": Albanian playwright Stefan Çapaliku. Foto: Pesl
It was a matter of survival. You can’t make a living from being an author in Albania. Everyone in our artistic community is aware of the necessity of taking on a job in public service to make ends meet. To be honest, I mostly used my office for writing. The government did not inhibit my work. Otherwise I would have quit immediately.
Are actors able to make a living from their work?
Not freelance actors. They often go abroad and end up working in ordinary professions. They can never seem to get by as actors because there is so much competition, despite the fact that we have a good drama school. The national theatre and a few city theatres are the only ones with permanent ensembles, but I feel like they are detrimental to Albanian theatre as a whole. It doesn’t make sense for people to be paid to be on call. Young performers have no access to this self-contained system. I would rather see the market opened, the system reformed. If theatres and ensembles were separated, it would create a whole new reality. I frequently advocate this in articles and interviews.
What advantages do Albanian artists have?
Albania has been in a state of transition since the 1990s. So much is happening all at once. For an artist, such as an author, this can be very interesting. Anything is possible. Those who observe reality discover enough material for a great many dramas. Since 1992, I have spent a lot of time in western countries and have noticed that societal life is not as intense as it is in Albania. In our country, we constantly encounter strange situations, exactly the kinds of things that feed authors’ imaginations. (more…)
Visiting Mark Ravenhill at the Forum of Young European Playwrights
Some writers' legs... while writing. Foto: Valerie Kattenfeld
In and around the art club Nassauischer Kunstverein. Mark Ravenhill has instructed the emerging authors gathered here to pair off and spread out across the entire premises. Some sit on the hardwood floors of the building’s vast halls, some smoke on the balcony and some take a little walk. Heiđar Sumarliđason from Iceland, an athletic guy in shorts and with a full blond beard and a cup of coffee in his hand, tells the Vienna resident Dominic Oley of a traumatic theatre experience:
Heiđar: So it was two days before the premiere of my play, “Pieces,” and the director decided to cut fifteen minutes of it. There was nothing I could do. She said: “Just trust me.” But the performance was horrible. My words were there, but they no longer fit to what was happening. It was like I was trying to say something completely different than what I’d intended when I wrote it.
Dominic: And that’s why you stage your own plays now…
Heiđar: I have been focusing on directing recently, yes. I actually haven’t written anything in three years, but I’ve directed English and Polish plays. I’m even planning a college musical. I’d like to try my hand at all theatrical areas.
Dominic: How do you make it work financially?
Heiđar: It’s not easy. But after investing four years of my time and money in an artistic education, I wouldn’t want to work at any old day job.
Łukasz Witt-Michałowski inszeniert im Wiesbadener Malersaal “Der letzte Vater seiner Art“. Inspiriert ist Artur Pałygas Stück von Kafkas “Brief an den Vater”.
Ein Sohn und seine Väter. Fotos: Lena Obst
Es sind die Erinnerungen eines Sohnes an seinen allmächtigen Vater, der ihm den Mund verbietet, ihn demütigt und zum Schlafen auf den Balkon schickt; an einen grausamen Vater, der das Kleinkind füttert und dabei Horror-Hasen-Geschichten erzählt; an einen angstbringenden Vater, der selbst ausgemergelt im Totenbett noch die Aura eines unumstrittenen Familienoberhaupts ausstrahlt. In Artur Pałygas „Der letzte Vater seiner Art“ wird das Bild eines Vaters rekonstruiert, das scheinbar nicht wirklich sympathisch war, im Stück aber dennoch als besseres Vaterbild verhandelt wird.
Franjo wächst in ärmlichen Verhältnissen in einer kleinen Garnisonstadt im Grenzgebiet Polens auf. Drill, Hierarchie und Exzesse des Militärs werden vom Vater im Privatbereich fortgesetzt. Im Wiesbadener Malersaal ist diese karge Welt von der freien Lubliner Gruppe Scena InVitro ungewöhnlich phantasievoll in Szene gesetzt (Regie und Ausstattung: Łukasz Witt-Michałowski). Vier an Kirchenbänke erinnernde Zuschauerpodeste werden zwischen den einzelnen Episoden auf Rollen immer wieder auseinandergeschoben und neu platziert. Begleitet von Trompeten- und Trommelmusik entstehen so Formationen, die ständig neue Perspektiven auf das Bühnengeschehen ermöglichen.
Das Zentrum ist eine Lichtprojektion auf einer Seite des Werkstattraumes, die mal Schimmelfleck in der Wohnung der Familie, mal Kirchenkreuz ist. (more…)
Eine kleine Theatertierkunde.
Plustert sich gerne auf: Der Intendant. Hat zuletzt Henry IV inszeniert. Im Hintergrund der Oberspielleiter, inszeniert gerade Henry VI.
Das alte Ehepaar. Halten sich die Augen zu, weil sich gerade auf der Bühne wieder soviele nackte Männer mit Kartoffelbrei beschmieren.
Papier: Zum Mitschreiben im Dunkeln. Immer nötig. Auch wenn man das, was man fast blind irgendwo hingekritzelt hat, später ohnehin nicht mehr lesen kann.
Für Solidarisierung der Kritiker untereinander unablässig.
Eindeutigstes Erkennungsmerkmal.
Stift: Die Waffe des Kritikers. Immer im Zehnerpack dabei, damit eine Entwaffnung ausgeschlossen ist.
Büroklammer: Zur Gewährleistung der kritisch hochgezogenen Augenbraue. (more…)
Paolo Magelli hat für seine fünfteilige Produktion “Zagreb Pentagramm” fünf Autoren aus Zagreb gebeten, für ihn zu schreiben. Wir haben fünf junge Kritiker gebeten, sich jeweils einen Teil vorzunehmen.
"Zagreb Pentagramm", Teil 1. Foto: Martin Kaufhold
1: Monologduett
Nataša und Goran heißen die zwei Seiten eines zwiegespaltenen Schriftsteller-Ichs. Diese beiden lässt Filip Šovagović in “Traumzone” am Schreiben und an den Menschen in selbstreflexiven Monologen verzweifeln: “Jeder Mensch ist der Autor seines Lebens, jeder Mensch ist Schauspieler und Regisseur seines Alters nur, manchen scheint, dass die Masken nie fallen werden”, sinnieren sie pirandellesk. Als irreale und unbegreifbare Traumexistenzen tragen sie in Paolo Magellis Inszenierung Masken, liefern sich spielerische Wortgefechte. Der Regisseur hat sie als Clowns verkleidet, die mit rot unterpunkteten Augen und einer skelettartig geschminkten Unterlippe aussehen, als seien sie direkt einem Albtraum entstiegen. Ihr Buchstabenfeuer findet mal einen gemeinsamen, stakkatoartigen Rhythmus, mal fallen sie sich gegenseitig ins Wort. Sie reflektieren über Erfolg und Misserfolg, Schreiben und Leersein, Leben und Sterben. Clowns sind nicht nur dazu da, Kinder zu erfreuen, sondern üben Kritik ohne Worte. Das hat uns Charlie Chaplins Tramp gelehrt. “Oh, wie schön war früher der Stummfilm”, schwärmt auch Nataša einmal. Am Ende bleibt Schweigen. (Judith Drokur) (more…)
Wollen Sie sich vom Festivalstress erholen und dabei noch etwas sehen? Zehn Minuten Busfahrt nördlich vom Staatstheater liegt der Wiesbadener Stadtteil Eigenheim. In ruhiger Atmosphäre lassen sich hier ganz andere Formen der Inszenierung betrachten. Einer unserer Ausflugstipps.
Versteckte Villen: Wiesbaden-Eigenheim. Foto: Lea Gerschwitz
Mit dem Bus zum “Eigenheim”. So heißt die Endstation der Linie 8. Bitte alle aussteigen. Wer hier, im so nüchtern klingenden Stadtteil im Wiesbadener Nord-Osten ein Haus sein eigen nennen kann, hat es wohl geschafft. Jedes Haus ist eine Anlage: Gründerzeitvillen mit Stuck und halbrunden Erkern stehen neben großzügigen Fachwerkhäusern, Backsteinbauten mit unendlichen Doppelfensterreihen und schlossähnlichen Türmchen. Wie sich in diesem Wohngebiet Architekten in großen Formaten ausgetobt haben, ist selbst für Wiesbadener Verhältnisse beeindruckend. Schlichtere Mehrfamilienhäuser tauchen zwar auch vereinzelt auf, wollen aber nicht so recht nach WI-Eigenheim passen. Wer ein paar Straßen entlangläuft, bemerkt, wie die Vorgärten immer parkähnlicher werden, wie die Gebäude immer weiter von den Gehwegen wegrücken, bis schließlich nur noch verschnörkelte Eisentore und entfernt Terrassen und Ziergiebel zu erkennen sind. Privatsphäre und Sicherheit sind garantiert. Die Szenerie verändert sich schlagartig, als ein grau-brauner Baukoloss in Sichtweite kommt. Umringt von Stacheldrahtzaun und Kameras sieht er aus wie ein Hochsicherheitsgefängnis. Hier sitzt das Bundeskriminalamt, sicherer geht es nicht. Aber schöner? Dann doch lieber zurück ins Eigenheim.
Tot wird es nicht sein, das Theater. Aber möglicherweise gehe ich nicht mehr direkt hin. Als Zuschauer bin ich entweder vor Ort oder kann aus der Ferne über Live-Blog, Webcam und Gedankenübertragung, bei Schauspielstil, Regiekonzept und Stücktext zwischen je fünf Varianten zu wählen. Klassikerinszenierungen werden wieder konservativer, weil authentisch historische Kostüme nicht mehr so teuer sind. Dafür werden Kostümbildner eine Ausbildung in digitaler Medienkunst brauchen. Die neuen Stücke werden von konkreteren Dingen handeln. Da das Allgemeine alles schon erzählt ist, wird das Individuelle mehr in der Vordergrund rücken. Per illegaler Datensammlung lässt sich ja schnell ermitteln, wo das interessierte Publikum für das Leid der Pelikanhüter im Duisburger Zoo sitzt. Die Theaterkritik wird ein Konvolut aus allen geäußerten Meinungen, Gedanken und den Produktionsbedingungen sein. Es wird alles total toll sein.
Wie kommen politische Themen in Theatertexte? Der isländische Regisseur Jón Páll Eyjólfsson, die türkische Schauspielerin und Autorin Ceren Ercan und der schwedische Autor Jonas Hassen Khemiri sprachen über die Entstehung ihrer Stücke. Während es in „Liebe Isländer“ um die Verarbeitung der Finanzkrise geht und sich die drei Frauen von „Hässliches Menschlein“ in einer Gesellschaft behaupten müssen, die sie ausstößt, versuchen die Figuren in „Wir sind hundert“, die Welt zu verändern. Ausgewählte Statements der Podiumsdiskussion „Wirkungsmöglichkeiten politischer Themen auf dem Theater“. (more…)
Tilman Gersch inszeniert die Uraufführung von Bettina Erasmys “Das wollt ihr nicht wirklich” am Staatstheater Wiesbaden.
Das Tier am Menschen. Foto: Martin Kaufhold
Schon Shakespeare schickte seine Protagonisten gerne in den Wald, um sie mit ihren seelischen Seltsamkeiten zu konfrontieren. Was im Wald passiert, bleibt im Wald, so scheint die Vereinbarung zu lauten. Bettina Erasmy präsentiert nun ihren ganz eigenen, zeitgenössischen Sommernachtstraum: In “Das wollt ihr nicht wirklich” schmeißt sie Menschen aufeinander, die in die Natur gehen, um ihre Sinnlichkeit wiederzuentdecken. Viktor will seine Ehe mit Marie wieder auf Trab bringen, Edgar steigt aus dem Beamtentrott aus, Karim versteckt sich vor der Abschiebung und Lara sucht nach einem Mann, der ihr darin zustimmt, dass Oscar Wilde recht hatte und “jeder tötet, was er liebt”.
Für die ironische Verrätselung der Geschichte sorgen neben dem Stücktitel zwei Vertreter der Fauna. Habicht und Wolf sind beide viel eleganter und intellektueller als ihre menschlichen Beobachtungsobjekte. Gleichzeitig strahlt gerade der Wolf eine animalische Erotik aus, die Marie bei ihrem Mann, dessen Namen sie nach drei Jahren schon vergessen hat, vermisst. (more…)
Sie hat gerade ein Füßchen in der Tür, er ist seit zehn Jahren im Geschäft. Er leitete bei der Biennale einen Autorenworkshop, sie zeigte ihre zweite Uraufführung. Martin Heckmanns (38) und Lisa Danulat (27) über unterschiedliche Schreibperspektiven.
Sind Sie einander schon mal dramatisch begegnet?
Ich bin auch da! Lisa Danulat und ein bisschen Heckmanns. Foto: Lisa Danulat
Danulat: Ich habe in Düsseldorf ein Stück von Dir gesehen. „Hier kommen wir nicht lebendig raus. Versuch einer Heldin.“
Heckmanns: Ich habe nichts von Dir gelesen und gesehen.
Glauben Sie, dass Sie als Autorin heute schwerer in den Betrieb rein kommen als Martin Heckmanns vor zehn Jahren?
D: Im Moment habe ich ja ein Füßchen in der Tür, und ob der restliche Körper noch nachschiebt, verhandele ich gerade mit mir. Wenn ich das mit mir geklärt habe, kann ich mir auch ein Bild darüber machen, inwieweit die Tür geöffnet werden sollte. Dann muss ich den Schritt gehen, klopfen. Momentan bin ich beim Fußabtreter und schaue mir das erstmal vorsichtig an.
H: Das sind Sportreporter-Fragen. Aber nein, eigentlich nicht, die Gier nach Uraufführungen ist ja ungebrochen. Ich bin auch anders rein gekommen, habe in meiner Heimatstadt eine Uraufführung gemacht mit einem Schauspieler zusammen, das war also nicht über die üblichen Förderprogramme, sondern selbst organisiert und hat sich dann weiter ergeben. Ich finde es auch interessant, dass man hier so viel über Betrieb nachdenkt und im Verhältnis wenig über Inhalte, Geschichten, Anliegen. Der Markt hat ja etwas Objektivierendes. Da weiß man: Wer ist drin, wer ist nicht drin, wer ist unten, wer ist oben. Ich verstehe, dass es einen sportlichen Ehrgeiz erzeugt, darüber zu reden. Aber mit Theater hat das erstmal nichts zu tun. (more…)
In his production of his play “Marta from the Blue Hill” Alvis Hermanis invites audiences to a Latvian Last Supper, yet says uncharacteristically little.
Healing ceremony of "Blue Hill Marta" by Latvian director Alvis Hermanis. Photo: Martin Kaufhold
For one magic moment, time stands still. Yet then, as the characteristic melody to Céline Dion’s international hit “My Heart Will Go On” begins to sound, we find ourselves not on the railing of the Titanic, but in Marta’s parlor at a long wooden table. There, twelve people, a motley crew of personalities, have gathered together to be healed by “Blue Hill Marta.”
In his play, Latvian author and director Alvis Hermanis traces the legend of a clairvoyant woman from the “blue mountains” who lived from 1908 until 1992 and relieved the suffering of others on a daily basis. By researching the biographies of others, whether it be the story of Marta the legendary healer of simply that of his own father, Hermanis has found a way – as in earlier productions – to create a unique dramatic style characterized by strong narrative tendencies.
A community united in suffering
In “Marta from the Blue Hill”, Hermanis once again remains true to his narrative style. Seated on a bench facing the audience, twelve performers speak openly and consistently to the crowd. Many of them with easily recognizable afflictions. They are twelve sufferers, each with his or her own personal story, who have left their stagnant lives for a short time in the hopes that Marta can heal their ailments. One of them, for example, demonstratively wears a T-shirt proclaiming a website for misfortune, www.unglueck.de. (more…)
Three files of "me". Scene from "We Who Are Hundred". Photo: Martin Kaufhold
They are standing on the edge of the abyss, each of them with different strengths and weaknesses, and yet they are one and the same person, the facets of humanity. They bicker and fight against each other, share laughs and memories and long to commit suicide together. However, the three women will never again feel as united as they do at the beginning of the play, as they face the end of their lives: “We can’t do it.” Disheartened, the women discard their knives, pistols, Kalashnikovs and explosives and are left to look at each other helplessly after yet another failed suicide attempt. Are we too cowardly or do we just need more time? Do we regret everything we’ve done in our lives or do we wish we could go back? A fresh start is the answer. One last chance.
“Who Am I, and If So, How Many?” This title of the best-selling book by popular scholar Richard David Precht is sure to pop into a few audience members’ heads in the course of this evening of theatre. Yet even those who do not have this association will ultimately be confronted with questions: What is my identity? (more…)
Simultaneous translations have been an inherent part of the Theatre-Biennale from the beginning.
Speaking behind glass: the work of the simultaneous translator. Photo: Lena Rittmeyer
They take some getting used to, those little receivers and headphones that are ultimately clipped to the audience members’ ears. But they belong to the festival’s charm just as much as the festival tent and the Babylonian jumble of languages. Those who have never seen a foreign-language guest production before are initially irritated by the German translation being muttered to them at the same time that the actors are speaking on stage, yet soon they begin to feel grateful. Experiencing an authentic performance is good, understanding it is even better.
“And it is intended to convey the literary quality,” adds Maya Schöffel, the dramaturg from NEW PLAYS FROM EUROPE responsible for the translators. “This is an authors’ festival, and so we try to do the texts as much justice as possible.” Ever since it was founded in 1992 the Theatre-Biennale has opted not to work with supertitles or interpreters, but rather with literary translators. (more…)
They like to write on the couch, know their way around hotels and have been part of NEW PLAYS FROM EUROPE from the very beginning. A look back with the festival founders Ursula Ehler and Tankred Dorst.
At the opening of the first biennial NEW PLAYS FROM EUROPE in Bonn in the year 1992. The writers Ursula Ehler, Tankred Dorst are chatting with former German president Richard von Weizsäcker. Photo: Thilo Beu
How did you come up with the idea for NEW PLAYS FROM EUROPE?
Dorst: Curiosity. We knew about all the new plays in Paris and London, but no one knew what, for example, was being done in Iceland. We wanted to know what kind of theatre they were doing there. And we didn’t want to force them to adhere to an agenda, we simply wanted to know the truth.
Ehler: Eastern Europe was emerging at that time. And people in Germany were only focusing on spectacular productions. We talked about it and decided we needed an authors’ festival. But we didn’t want to have to have a panel of experts or a jury of critics to judge the plays, we just wanted to convey subjective views.
Dorst: We didn’t want to say, “This is what it’s like in those countries,” but to present what we had found.
Any particular memories come to mind?
Ehler: The bulletproof vest.
Dorst: A bulletproof vest for Croatia was stored in the dramaturgy office in Bonn. But I didn’t wear it, I remained unprotected. (more…)
Immer wieder sitzen Menschen auf Podien und diskutieren über die Festung Europa.
Wenn wir das zehnte Jubiläum der Biennale begehen, feiern wir dann auch automatisch Europa? Feiern wir die Reisefreiheit, den Euro, das Zusammenwachsen und den Frieden, wo sich noch vor 20 Jahren scheinbar unüberwindbare Fronten gegenüber standen? Soweit so gut? Dann aber auch das Europa, in dem Konzerne Arbeiterschaften gegeneinander ausspielen können, indem sie drohen, Fabriken zu verlegen? Das Europa, in dem wir uns aus dem Osten unterbezahlte Pflegekräfte für unsere Eltern kommen lassen können? Das Europa der Bürokratie und der Sexarbeit?
Aber immer nur Fragen zu stellen, ist keine produktive Herangehensweise. Die Festung Europa können wir nur von innen beschreiben; wir schotten uns in der Festung ab und kommen nicht heraus: (more…)
Das niederländische Stück “Hannah und Martin” stellt sich der altbekannnten Heidegger-Arendt-Geschichte
Auf Holzwegen: Der Professor (Willem de Wolf) und sein Schützling (Lineke Rijxman). Foto: Lena Obst.
Die junge Studentin Lineke erwartet von Professor Wolf eine Nachhilfestunde in Sachen verbotener Liebe: Wie war das damals, zwischen der 19-jährigen Hannah Arendt und ihrem 17 Jahre älteren und verheirateten Dozenten Martin Heidegger? Und während Professor Wolf (Willem de Wolf) interessierter an einem Re-Enactment des erotischen Stelldicheins wäre, will Lineke (Lineke Rijxman) den Vermischungen des Politischen mit dem Privaten nachgehen, ohne von ihrem Konterpart aufs Kreuz gelegt zu werden. Das ist die Ausgangssituation einer szenischen Verhandlung nicht nur der Liebelei unter Philosophen, sondern auch manch philosophischer Problematik. Wolf und Rijxman schlüpfen in diesem dialoglastigen Werk in und aus den Rollen, sind mal am Debattieren der ganz eigenen erotischen Anziehung, mal bei Heideggers politischen Verirrungen, dann wieder wird Arendts Gestik und Mimik spöttisch reproduziert. (more…)
Die neuen Stücke aus Europa begnügen sich nicht mehr mit Text. Musik aller Art ist zunehmend Teil ihrer Konzeption.
Kaum eine Inszenierung kommt heute noch ohne die Klangebene aus. Das ist im deutschsprachigen Raum so, und auch, wie man an der Biennale 2010 erkennt, in ganz Europa. Besonders auffällig ist dieses Jahr die Tendenz zum Strukturieren von Stücken mit Hilfe von Liedtexten. (more…)
Mein Zehnter zum Zehnten der Biennale
Die Turnschuhe kleben nass an meinen Füßen. Mit einem Kuss hat meine Mutter mich aus dem Auto geworfen, mit ihrem “Du schaffst das schon” in den Ohren bin ich direkt in die große Pfütze vor der Sporthalle getreten. Ich schlage die Augen nieder, schweige, fixiere meine Zehenspitzen, verkrampfe sie, die triefendkalten Socken machen schmatzende Geräusche. In meinem rechten Augenwinkel verschränkt die neue Lehrerin ihre Arme vor der Brust und lehnt sich an die Fensterfront, nickt mir aufmunternd zu. Meine Finger krallen sich in der Jutetragetasche fest, verhaken sich, ich raschele mit dem Inhalt wie ein nervöser Löwenbändiger, gehe mit der Tragetasche herum und werfe Süßigkeiten in die aufgerissenen Mäuler, zwischen die gefletschten Zähne. “Hallo. Ich heiße Karl – und ich habe heute Geburtstag.” Mein zehnjähriges Jubiläum fällt auf den ersten Schultag in einer neuen Stadt. Alles neu und aufreibend. Mit zehn Jahren dominiert die Schüchternheit und Angst gegenüber den vielen neuen Fremden, ich reflektiere die neue Umgebung und meine eigene Veränderung höchstens unterbewusst. Es ist mir als Zehnjährigem noch nicht klar: Das hier ist jetzt ein neuer Abschnitt, den ich wage. Eine Woche später sollte es mit der neuen Klasse dann auch noch auf Klassenfahrt gehen – das war dann allerdings etwas zuviel des Neuen. Gefahren bin ich trotzdem.
Heiđar Sumarliđason als Bunny-boy. Foto: Lena Rittmeyer
Abschluss des Forums junger Autoren Europas mit szenischen Kurzlesungen im Park. Auch wir fassen uns kurz in unseren Kritiken mit maximal 160 Zeichen.
1. “It’s okay to eat fish cause they don’t have any feelings” – Kindheitserinnerungen durch Nirvana-Zitat geadelt. Etwas zu gehaucht gelesen, mehr Power! Trotzdem: Danke für den Fisch.
2. Londonerin, Ankunft in Wiesbaden, im Hotelzimmer der Schock: Gekreuzigter Mann philosophiert übers Leben und blutet den Holzboden voll. Real, irreal, ganz egal, phänomenal.
3. Wow. Raben, Regen, Shakespeare & eine kleine Romanze unter Säulen. Süß vorgetragen. War schon ziemlich LOL.
4. D.Krieg in seinemLand katapultiert einenAutor nach oben.Sarkastisch-spacig bringt derMonolog+Drive dieAbsurdität d.kreativenVerwertg.v.Kriegstraumata aufnPunkt. (more…)
Wie viele Stunden schlafen Sie momentan?
Fünf bis fünfeinhalb.
Der Intendant auf der Couch. Foto: J. C. Heller
Wenn Sie in eine der Figuren dieser Biennale schlüpfen könnten, welche wäre es?
Schwierig, weil meistens Frauen im Mittelpunkt stehen. Aber ich würde sagen, einer der beiden Bodyguards des afrikanischen Diktators aus “Bab et Sane”, der kleinere. Der Autor hat ihm eine Sprache in den Mund gelegt, die mich an Karl Valentin erinnert.
Welcher Droge sind Sie verfallen?
Dem Theater.
Denken Sie, dass Sie etwas verpasst haben, weil Sie nicht Jurist geworden sind?
Nein. Ich hätte ja damals auch ins bayerische Kultusministerium gehen können, habe mich aber für die schlecht bezahlte Assistentenstelle an den Münchner Kammerspielen entschieden.
Wo würden Sie am liebsten wohnen?
In Istanbul, wo mein Bruder lange Zeit Arzt war. Das ist für mich derzeit die aufregendste Stadt Europas mit einer unglaublich kreativen Kunstszene und ganz vielen normalen Leuten, die nicht das Gefühl haben, sie seien der Nabel der Welt, wie die Pariser oder die Berliner. Die Stadt wurde von der griechischen, römischen, seldschukischen Geschichte und von den Osmanen geprägt, später dann von den Genuesen. Und von all dem sind noch Zeugnisse da und stehen unverbunden nebeneinander. (more…)
Lukas Bärfuss, Schweizer Dramatiker, hat 2008 seinen ersten Roman veröffentlicht: “Hundert Tage”, die Geschichte eines Schweizer Entwicklungshelfers in Ruanda. Nach seiner Lesung im Rahmen der Biennale haben wir uns mit ihm getroffen.
Schweizer Romane, auch etwa von Markus Werner oder Urs Widmer, eint eine sprachliche Geschliffenheit im Erzählen. Gibt es so etwas wie eine Schweizer Schreibsprache?
Möglicherweise liegt das daran, dass wir in einer Disglossie leben. Ich spreche Schweizerdeutsch, schreibe aber Hochdeutsch. Ich muss also von vornherein ganz anders reflektieren, was ich niederschreiben will. Die Distanz ist von vornherein da.
Er will nicht immer wissen, wie es endet: Lukas Bärfuss, Dramatiker und Romancier. Foto: Beatrice Künzi
Das Wort “Ruanda” fällt in “Hundert Tage” nur ein einziges Mal gegen Ende. Wieso?
Ich wollte gewisse Schlüsselworte nicht benutzen, um die gedanklichen Reflexe, die diese Begriffe auslösen, beim Leser nicht zu bedienen. Aus diesem Grund habe ich auch die Begriffe “Hutu” und “Tutsi” kaum verwendet, weil ich ein eigenes Bild transportieren wollte, fern der Vorstellung, die man sich von diesem Völkermord macht.
Darf diese Sparsamkeit mit Ortsnamen auch als Ausdruck der Allgemeingültigkeit interpretiert werden?
Ja, das ist natürlich so. Man muss auch wissen, dass seit 2002 im Osten Kongos über 2 Millionen Menschen umgebracht wurden. In Darfur herrscht ein ähnliches Morden, die Mechanismen sind überall dieselben. Es ging mir also auch darum, das Modellhafte herauszuarbeiten. Das gelingt aber nur, indem man seinen Gegenstand möglichst genau betrachtet und das Spezifische herausarbeitet, um zum Allgemeingültigen zu kommen. Eine Parabel wollte ich nicht schreiben. (more…)
Im Buchstabenwald: Szene aus Bettina Erasmys "Das wollt ihr nicht wirklich". Foto: Martin Kaufhold
Die Frau im Aufzug entschuldigt sich, dass es so übel riecht um sie herum. “Das ist der Leim, wenn der über einen bestimmten Punkt ist, stinkt der enorm”, sagt die mit Leimeimern Bepackte. Es geht zur Bühnenprobe von Erasmys „Das wollt Ihr nicht wirklich“. Aufführung: Freitag, 25. Juni, Eigenbeitrag des Wiesbadener Theaters zur Biennale. Regie: Tilman Gersch. Der tigert schon durch die leeren Zuschauerreihen.
Auf der Bühne: Vier riesige Buchstaben aus Holz. Dahinter: eine silberne Glitzerwand. Die Frau aus dem Aufzug pinselt den stinkenden Leim auf die Buchstaben. Schauspielerin Sybille Weiser kommt auf die Bühne. Sie lehnt im kleinen Roten am L, während an ihm herumgefräst wird. Gersch wandert über die Bühne. Schauspieler Jörg Zirnstei setzt sich in die Wölbung des D.
Chefdramaturgin Dagmar Borrmann nimmt links hinten im Zuschauerraum Platz. Vorne rechts: die Souffleuse Simone Betsch. In der Mitte: Regieassistent Dirk Schirdewahn. Vor ihm steht ein Laptop mit der Videoaufnahme der Uraufführung des Stückes in Recklinghausen. Und das Textbuch. In der Mitte rechts: eine theaterinteressierte Praktikantin.
Plötzliche unruhige Stimmung: Diese Probe wird keine Lichtprobe sein. “Jetzt springen wir heute Abend voll ins kalte Wasser, aber dann isses eben so”, sagt Gersch. Alle auf Anfang: Der Ton geht an, tönt vor sich hin. “Stopp”, unterbricht der Regisseur. “Sobald das eine Musik-Motiv aufgeht, müsst ihr schon auf die Bühne, Michael und Sybille.” Michael Birnbaum und Sybille Weiser spielen ein Paar im Wald. Er den Börsenmakler Viktor, sie die Galeristin Marie. “Du hast meinen Namen vergessen”, sagt Birnbaum zu Weiser. Die zählt jetzt viele Männernamen hintereinander auf: “Vincent, Thomas, Dirk…” Gersch unterbricht: “Da hast Du mal mehr gefrotzelt, zieh’ ihn mehr auf.” Auf ein Neues. (more…)
Die Ergebnisse unseres Übersetzungsworkshops: Kritiken auf Schwyzerdütsch, Saarländisch und zweimal auf Wienerisch. (Aufnahmeleitung: Judith Kärn)
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Falls Sie sich weiter dialektal fortbilden wollen, hätten wir hier ein paar Online-Sprachkurstipps für Schwyzerdütsch, Saarländisch und Wienerisch. Und eine Kritik zum Lesen auf Hessisch.
Warum eigentlisch immer uff Hochdeutsch? Mer sann doch in Wiesbaden: die Hesse komme!
Guuude! Ei so Leut scheints wärklisch überall zu gebe. Statt dass die sich aafach mo an die eigene Nas fase, komme die als in Wallung über des, was die anner Leut mache. In de Türkei sieht des dann so aus: De eine rescht sich über die Kopptücher uff, die anner fühlt sisch wegge denne Kurden zum Hahnebambel gemacht und widder ne anner hat Angschd, dass se sisch bei ner Lesbe anstegge könnt. Knodderbiggs sann des alle!
Die aus Istanbul, wo des “Hässliche Menschlein” geschribb hann, hann da wärklisch e guude Mischung zusammegestellt. Unn uff de Studiobühne kommt’s a gut rübber, des muss mer mo sa. Des sann jo ernschte Themen…dafür wird e bissche viel gekischert. Aber warum dann eigentlich net? De Humor bewirkt vielleicht die eine oder annere Einsicht. Also, liebe Leutsche, do muss mer sich mo in so ne Situation reiversetze unn überleh, wo mer selbst wie e Auswerrdischer behandelt werd. Wenn des des Stück schafft: schee wär’s!
Mehr Hessisch Babbele im Indernedd: do lang!
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